展期：2025-09-20 ~ 2025-11-02
地點：台北市大安路一段116巷15號
參展藝術家：楊世芝

斷與變：楊世芝的繪畫

王嘉驥


出生於山東青島，楊世芝（1949 年生）還在襁褓之中，就與父母一起遷徙到臺灣。青少年時期雖然對藝術懷有熱誠，卻因家人的顧慮，未能如願學習創作。直到 1970年代期間，她兩度赴美，才順利學習繪畫，先於舊金山州立大學取得學士學位；之後，在 1980 年代初期，繼續修習碩士學程。

很長一段時間以來，楊世芝的創作一直都以油彩、壓克力或混合媒材為主。她的畫風屬於表現主義，乍看抽象程度很高，實際卻仍具象，畫面皆有現實世界的場景作為依據，而且，也都能從她作品的命名具體聯想實景。如果對舊金山現代藝術的發展稍有了解，應當會知道，「灣區具象藝術運動」（Bay Area Figurative Movement）曾在 1950 年代至 1960 年代期間，盛極一時，對該地區的繪畫深有影響。 楊世芝於該地學習，其畫風亦傾向具象表現主義之風，或許仍然承接了灣區具象藝術部份的風格遺緒。

除了風景，楊世芝自己透露，她對人物的主題也甚感興趣。以 1998 年的一套四連作為例，她改以水墨為媒介，採取更直觀的速寫手法，呈現出抽象性極強的形象。 雖然這麼說，高度寫意的筆墨形象內裡，人物的身形與體態還是清晰可讀。值得一提的是，楊世芝以「之間」（”In Between”）為該作命名，不免令人想起齊白石（1864-1957）曾經提過的「妙在似與不似之間」的繪畫
美學。不但如此，楊世芝還更進一步地另闢蹊徑。

結合自動性的書寫，以及表現性鮮明的筆墨塗抹，楊世芝描述其創作方式：「先在毫無構圖結構的限制之下，釋放自身潛在的驅動力，讓畫紙上的線條自主獨立地舞動，可以是單純的律動，也可以是塗鴉，不具有任何既定的概念和表達目的，只是一些各自獨立的筆觸。」 藉此，她先行完成了數量和篇幅可觀的紙上書寫。楊世芝接續寫道：

隨後，任意地剪開畫紙，讓這些無數的筆觸，有如調色板上的顏料，每一個片斷都蘊含了將被啟動的內在能量。當第一筆的片斷貼在畫布上後，也就是從『無』走向『整體』的開始。每一個筆觸的片斷都有生成某一條線的可能。因此，過程是連續地創生與不斷的對話。完全沒有既定的圖形結構，永遠在機遇性的變動中，與『整體』互動。這些線條的生命不再是我當初釋放出來的獨立筆觸，他們有了完全新的關係和生命力……每一筆觸來回牽動的關係，以及持續變動的結構裡，不斷地嘗試、調整、試探、選擇、統合。最後，『整體觀』完整呈現。

由此可知，紙上書寫經過藝術家自由裁剪之後，成為造形不固定且大小各異的碎片，上頭承載各種斷裂與變異過後的抽象筆觸。楊世芝就以這些已經失去脈絡連續性的紙片為素材，從無到有地在空白的畫布上，一步步地築出世界。遠看像是連貫、完整，甚至一氣呵成的畫面，實際拼貼的工序極其繁瑣，且曠日持久，反映了藝術家在創作過程中的複雜心路與思惟變換。即使近覷微觀，亦不難發現，筆墨的構成時連時斷。其次，紙片反覆地拼貼與搭接，留下不規則的形狀，連帶不平整的紙基厚度堆成另類的肌理，使畫面呈現出一種介於平面和淺浮雕之間的抽象視覺。總的看來，楊世芝的水墨繪畫確實給人一種「妙在似與不似之間」的印象。有時，可能某些地帶的抽象性更高一些，但整體給人的觀感，仍有某種似曾相識的山水質趣。

2010 年，楊世芝引申黃賓虹（1865-1955）晚年在〈畫法簡言〉中所提的「畫先筆筆斷，而順以氣聯貫之」，以及「畫樹之法亦要筆筆變」的說法，據以創意發揮。 具體的做法是，她以個人獨特的「筆觸斷片」取代中國傳統的「筆法」，希望「順著斷片之間隱藏的力量，一連一變，一變一連」。 她指出，「『斷變之間，以氣貫連』，雖非傳統的皴法，但有異曲同工之力。」同時，她也強調，自己的用意不在否定傳統的創作觀，「而是開展另外的一些可能。」

楊世芝先是在西方學習繪畫，經過多年的實踐之後，才轉向水墨創作。不但如此，她運用筆墨和作畫的方式，也與常態所見的水墨繪畫差異極大。正因為這樣，她反而能夠從另類的視角，為水墨藝術提供創新的思惟，跳脫「國畫」的意識形態與歷史包袱，使水墨回歸自身的純粹性與本然。